아무것도 묻지 않은 하얀 캔버스는 겨울철 설경을 닮았다. 함박눈이 펑펑 내려 온 마을을 덮어버리는 웅장한 풍경. 그 위를 알록달록 물감으로 채우는 화가의 붓질은 삭막한 겨울이 지난 후 빈 가지에 활짝 피어나는 봄꽃 같다. 오귀스트 르누아르^{Auguste Renoir, 1841~1919}는 화창한 날씨에 소풍 나온 남녀를 그린 인물화로 유명하지만, 꽃 그리기를 좋아해 평생 많은 정물화를 남기기도 했다.

특히 대표적인 인상주의 화가답게 현실의 대상을 시각적으로 똑같이 묘사하기보다 생동감 넘치는 붓 터치와 따뜻한 색감으로 꽃이 발산하는 분위기를 담으려 노력했는데, 이 특징은 ‘장미 ^Roses’(1890)에도 두드러진다. 촛불이 아련하게 흔들리는 듯한 꽃잎과 간결하게 처리된 배경, 달콤한 색채로 재현된 장미는 연약한 동시에 강렬하고, 불안하면서도 자유롭게 느껴진다.

특히 르누아르는 말년에 관절염을 앓아 고생했지만, 붓을 손가락에 잡아맨 상태로 그림을 그리면서 까지 뜨거운 열정을 놓치지 않았다. 그래서일까, 일반적으로 미술사에서 ‘꽃 그림’은 한철의 아름다움과 삶의 무상함을 호소하지만, 르누아르의 ‘장미’는 그 투박한 터치가 그림에 긴장감을 불어넣어 쉽게 지지 않는 힘을 상기시킨다.

현실을 뛰어넘는 이미지로 현실 이상의 풍경을 선사하는 또 다른 화가로는 ‘색채의 마술사’ 앙리 마티스^{Henri Matisse, 1869~1954}를 빼놓을 수 없다. 마티스는 르누아르와 마찬가지로 사실적인 묘사를 버리고, 색의 마술같은 에너지를 이용해 대상에 생명력을 부여했다. 형태를 철저하게 단순화하고 불필요한 설명을 생략하는 화풍은 마티스의 가장 큰 특징. 그에게 그림이란 평면에 선과 색을 리드미컬하게 배치하는 즐거운 놀이로, 형상의 배치와 여백 공간, 비례 등 색채를 중심으로 이루어지는 화면의 질서를 중요하게 여겼다.

인상파 화가의 아버지 에두아르 마네^{Edouard Manet, 1832~1883}. 그는 활동 초기에 ‘풀밭 위의 식사^{Le Déjeuner sur L'Herbe}’(1863)와 ‘올랭피아^Olympia’(1863) 등 화단의 금기를 깨는 그림을 발표해 혹평과 비웃음의 대상이 되었다. 하지만 이에 굴복하지 않고 그림은 외부 세계보다 오직 캔버스에 충실해 어떤 요소도 자유롭게 그릴수 있어야 한다는 신념으로 독창적인 화풍을 지켜나갔고, 그가 주장한 ‘화가의 특권’은 후배 세대에게 드넓은 길을 열어줬다. 파격적인 행보로 논란을 일으켰던 젊은 시절을 지나, 말년에 그린 ‘봄^Spring’(1881)은 파리 여인을 상징한 작품으로 마네의 예술 활동을 통틀어 가장 좋은 반응을 얻었다.

젊고 아름다운 여인의 관능미와 우아함을 극적으로 끌어올린 묘사와 시원한 구도는 그야말로 봄을 형상화한 작품이라는 호평을 얻었다. 그런데 인물의 얼굴을 자세히 들여다보면, 봄의 기운이 마냥 충만하다고 해석하기엔 그 표정이 다소 찜찜하다. 조금은 쓸쓸하고 덧없어 보이는 비애에 찬 얼굴… 혹시 20년간 살롱에서 거부당하고 논란에 부딪힌 마네가 말년에 느낀 허무한 심정을 투영한 게 아닐까? 봄이란 마네 ‘봄’의 여인처럼 다가오는 시간을 맞이하는 설렘과 지나간 세월에 대한 공허함이 복합적으로 공존하는 계절이다.